2012年8月
山田真一（音楽評論家）

昨年秋よりエグゼクティブ・ファカルティにジュゼッペ・サッバティーニを迎え、サントリーホール オペラ・アカデミーが新体制でスタートした。サッバティーニの日本での音楽指導は初めてということだが、イタリアではすでにジュゼッペ・ヴェルディ音楽院、ボローニャ歌劇場歌手養成所などで指導し、現在は母校のサンタ・チェッチーリア音楽院の声楽教授として教鞭を取っている。それだけに、有名テノールとして活躍したサッバティーニとしてだけでなく、彼なりの指導方法に基づいた長期間にわたるプログラムが特長となった（オペラ・アカデミーは、32歳以下の若手対象の「プリマヴェーラ」と、キャリアを持つ生徒対象の「プロフェッショナル」の二つコースがあるが、ここでは前者を扱う。尚、今回、プリマヴェーラは、オーディションにより選ばれた24名が当初受講。いずれも大学卒以上だった。プリマヴェーラの研修期間は2年間で、初年度は2011年9月〜13年6月）。

今回のオペラ・アカデミーは、2012年6月3日の「サントリーホール オペラ・アカデミー・コンサート」に向けて11年9月より行われた。サッバティーニが来日しての直接の指導は、11年9月、12年2月、5月と三期に分かれたが、その間をプロの日本人歌手がコーチング・ファカルティとして指導し、サッバティーニのプログラムによる練習を継続的に行うという内容である。その点で、より学校のコースに近いものだったが、受講者にとっては、自らのレッスンや歌の仕事と重なることもあり、その兼ね合いに苦労した者もいたようだ。逆にいえば、コーチング・ファカルティによるレッスンで、サッバティーニの出した課題を継続的にやっていないと、次のサッバティーニのレッスンでの課題をこなせないというハードルがある発展プログラムとなっていた。

シレーネの練習

9月から1月は、9月にサッバティーニが紹介した基礎テクニックをマスターすることに重点が置かれた。特に、ここではサッバティーニが「シレーネ」と呼ぶ、ベルカントのための独自の発声方法をマスターすることが重要だった。シレーネは、ハミングに近い発声方法の練習だが、ほとんどの受講者はこれを初めて体験したようで、2月の第二回目のサッバティーニによるレッスンでは、「シレーネがまだできていない！」とサッバティーニが多くの受講者にやり直しを求める場面が多かった。

「発声と基礎練習」〜いかに、音を自然に響かせるか
サッバティーニが説く、プロとしてベルカントの発声をするための基本は、「いかに、音を自然に響かせるか」という点にある。「響かせるためには、喉に負担を掛けずに、頭蓋骨の前に音を響かせなければならない」というものだ。その理由は、「広い空間へ行くと、大きな声量を出すために、多くの人が喉に力を掛けてしまう。しかし、それでは声がもたず、長時間歌えず、また、客席にはきれいに聞こえないからだ」という。しかし、これは口で言うほど簡単でないのは、どの受講者も、サッバティーニから何度も、姿勢や声の響きの違いを指摘されていたことからも、明瞭だった。

時には、厳しい言葉で発声方法について指摘するサッバティーニだったが、彼自身も受講者の問題点をしっかり把握していたようだった。できない理由としては、普段狭い練習室で声を出しているので、「大きな空間での自分の声がわかっていない」からというもの。もう一つは、これは受講者自身の本アカデミーへの参加姿勢に関係することだったが、現在、日本での指導者と発声方法が違うことで、及び腰になっているということだ。特に後者に関しては、サッバティーニもその難しさを認識しており、「自分の先生にアカデミーへの受講について了解を取ってくるべきだ」というアドバイスもしていた。

それにしても、今回の受講者は、発声という基礎がいかに重要で、且つ細かい点から成り立っていることを改めて知ったのではないかと思う。サッバティーニによる指導は実にきめ細かい。例えば、息を継続して出すことの重要性を説く。しかし、それは息継ぎの問題ではなく、いかに音を保ち、声の響きを継続するか、という点にあると指摘する。「喉を使ってはダメだ。喉の柔らかい場所は声が響かない」、「音を支えるということは、力を入れるのではなく、音を保つことだ。喉に力をいれてはいけない」、「力をいれると息が切れる、息を無駄に失ってはならない」というようなことを一人、一人に指導していく。

「響きをマスターする」〜発声から一段階高い技術へ　
受講者には、自分の順番でないときも参加するように要請しているので、学ぶことも多いが、逆に、上手く声を出せる受講者を真似ようと、形から入ってしまう例もある。そんな時、サッバティーニは、「人により口の形が違うので、口の形はそれほど気にするな。重要なのは響きをマスターすること。口の表面を動かしても変わらない。美しく歌おうとしなくても形が良ければ声は美しく響く」と説明する。ここで重要なのは、共鳴を意識するために「マスク（マスケラ）」に声を集めることにある。マスクとは、顔という意味で、声楽では特に頬から上の部分を指す。

サッバティーニの具体的なアドバイスが続く

サッバティーニの指摘は極めて具体的だ。まず、「音を出したら口の形は忘れるように」、「軟口蓋は口を大きくしても上がらない」ということから、ピアニッシモでは「小さい音は腹を使う」、「ピアニッシモになっても、倍音が聞こえるように、これが歌に入るということ」、「準備のとき口のスペースを用意しておくこと」。高い音では、「高くしていくと喉が絞まるのは形が良くない証拠！」と続く。

高い音に関して日本人は苦労しがちなので重要なアドバイスが多い。高い音を出すために、力んだり、下の音を出していた時の口と喉の形のままで、力で押してしまう者が多いからだ。これについて、サッバティーニは、「高い音へ跳躍するときには、その準備をすることが重要。特に、口の形（ポジションの取り方）に注意しなければならない。跳躍しながらディミヌエンドするつもりで、準備のとき響きを調整する必要がある。そうすることで、顎の固さを取ることができ、引っ張らずに済む」、「口の形を変えても音色を変えないように注意しなければならない」と説明する。

レガートやグリッサンドは、一段階高い技術で、そのために特化した練習が必要と説く。これはシレーネから始めてその形を忘れないようにする。グリッサンドでは、ビブラートを掛けない。なぜなら、ビブラートすると同時にクレッシェンドしがちになるためだという。ではどうするのか。サッバティーニは、「音を喉ではなく、腹から出さねばならない。しかし、それはぶつけるのでは無く押し出すように」と指導する。
サッバティーニの指導は、イタリア人らしく、熱く、時に派手な表現も入るが、腹を使って、というような表現では、「猫ではなく、虎のごとく腹の奥そこから出す！」と叫んで、自分で虎の真似をして、声を出して、受講者の笑いを誘うこともあった。

「歌の表現」〜イタリア古典歌曲を学ぶ
さて、歌のレパートリーの方だが、サッバティーニがイタリアの正しいベルカント唱法をしっかり覚えさせたいということで、これは「イタリア古典歌曲」となった。具体的には、ペルゴレージ、チェスティ、パイジェッロ、カルダーラ、デュランテ等、バロックから古典までのイタリア人作曲家や、ヘンデルなどイタリア人以外のイタリア語によるバロック作品が含められた。２月の時点では、受講者が複数の歌を歌い、その後、コーチング・ファカルティ等と相談して、それぞれ違う歌を歌うように調整していく方法が取られた。

イタリア古典歌曲のレッスン

イタリア語の学習は課題ではなかったが、ベルカントを歌う、イタリアの曲をレパートリーにするという点では、サッバティーニは、やはり「イタリア語の勉強は必要」と強調した。発音だけ真似しても、歌詞の意味を理解しなければ、到底歌は歌えないというのは、どんな言語であっても共通している。中には、サッバティーニとイタリア語で簡単にやりとりができる受講者も居たが、今回それは少数に留まった。

歌に関しては、やはり歌詞について、うるさい指導が入った。例えば、ある小節に複数の動詞がある場合、どの動詞を強調するのか。横並びはあり得ない。「強調する動詞によって、歌の内容がより良く伝わる」、「歌の状況をよく考えて欲しい。誰が歌っているのか、その人は悲しんでいるのか、喜んでいるのか、なぜこの人物はこの歌を歌うのか」、「歌詞の表面的な言葉がその人物の気持ちとは限らない」というように、次々重要なコメントがサッバティーニから飛び出す。また、イタリア歌曲には、表現の基本的要素として、神や聖母などが頻繁に現れるが、それらがどのようなものか考えて、悲しみ、苦しみ、愛情表現を歌にする必要があると詳しく説明した。

「技術を磨く」〜歌の完成度を上げるためのアドバイス　
サッバティーニ三回目の指導である５月は、受講者がそれまでにコーチング・ファカルティと曲を決めて準備をしてきたこともあり、２月に較べるとかなり進歩が見られる受講者もいた。もちろん、それは単に、歌を繰り返し練習したというより、サッバティーニが提示する発声方法、口の形や、音の当て方に基づいて、歌えるようになったという意味においてだ。
この段階に来ると、サッバティーニの指導は、それぞれの歌の完成度を上げるために、発音に対して、細かい注意をすることが多くなった。特に母音について図を使って説明するなど、それぞれの母音を発声するときの口や喉の開け方に対する詳しい説明がされた。また、イタリア歌曲には欠かせないトリル、日本語にはないイタリア語特有の濁音など、まさにプロとして重要な技術を次々と指導した。

そして、6月3日のコンサートは、当初、プリマヴェーラは選抜者のみという予定だったが、5月の時点で継続者が15名ということもあり、厳しいサッバティーニ指導に残った受講生全員が出演することになった。コンサートは、ピアノ、ハープシコード、オルガンを伴奏として、テンポや歌い方に関してサッバティーニの細かい指示を実践するため、客席後方からサッバティーニ自身が指揮するという形で進められた。そのかいもあって、一般の聴衆からも何度も大きい拍手が送られた。また、客席から見て、サッバティーニの発声法を実行しているかどうか、顔の形から分かるほどの受講者がいたことも大きな成果だっただろう。本場前にサッバティーニから厳しいダメだしを受けた者も何人かいたが、当日はどの受講生も一定以上の水準で歌うことができ、サッバティーニも終演後、ホッとしていたようだった。厳しいながらも、時には笑わせ、大胆な比喩で受講者を引き込んだサッバティーニと受講者の達成感ある表情が終演後印象に残ったコンサートとなった。

1月31日からの集中レッスンを、アカデミー生たちと年代の近い一般の大学生が聴講しました。大学で音楽学も学んでいる伊藤優さんが、1週間のアカデミー開催期間、サッバティーニとアカデミー生のやりとりに耳を傾けてくれました。サッバティーニから発せられた印象的なメッセージを抽出していきながら、一枚の絵画を描く行為になぞらえて、アカデミーの様子をレポートしています。

＊ オペラ・アカデミー概要はこちら
＊ 「オペラ・アカデミー・コンサート」概要はこちら　

伊藤 優（津田塾大学3年）

サッバティーニ先生の1週間のレッスンを聴講して、一枚の絵画を描くことと、一曲の歌を作り上げていくことは似ていると思いました。ただ一つ大きな違いは、歌には完成がないということ。その終わりなき道のりは、まるで人生のようで、サッバティーニ先生の言葉は、生きていくためのアドバイスだと感じました。

▼描き方の練習〜シレーネ練習〜
初めにサッバティーニ先生は、先生独自のメソッドである「シレーネ練習」*を生徒一人 一人に行ってもらい、丁寧に時間をかけてレッスンした。美しい絵を描くためには、 しっかりとした基礎の土台が必要なのである。

＊「シレーネ（サイレン）練習」とは、歌わないで行う声のストレッチ（準備運動）で、 根音−5度（あるいは8度）−根音のグリッサンド練習のこと。常に正しい響きの場所で レガートをつくる、ベルカント唱法の基礎練習のひとつ。

「プロというものは10回のうち9回は同じようにできなくてはいけない」
シレーネ練習中、一回はできてもその後はできなくなってしまう生徒が多かった。そんな生徒たちへの言葉。機械のようになってはいけないが、同じようにできることがプロとしての最低条件である。

「苦しみの中でこそ成長がある。楽しみの中ではそれはないのだ」
シレーネ練習で息を吐ききってふらついた生徒に対しての言葉。サッバティーニ先生は、プロの歌手にリクエストするのと同じことを、プリマヴェーラ・コースの生徒たちにも要求していると言っていた。

「小さなことでも大きなことでも、目的を持って行う」
人生の中で行うことすべてには必ず動機がある。地道な基礎練習にもすべて意味がある。発声練習はのどを温めるだけに行うのではなく、それを歌にどう生かすまで考えながら行い、たった一音発するだけでも目的をもって行わなければならない。

▼鉛筆で下絵を描く〜歌の技術的な練習・歌詞の意味の理解〜
シレーネ練習でOKをもらったら、生徒たちは選んだ曲を先生にレッスンしてもらう段階へ。 鉛筆で下絵を描くように、楽譜に忠実に歌うこと、曲を技術的に歌えるようにすることに 重点が置かれた。そして、楽譜には書かれていない部分を考えることの大切さを、先生は 以下のような言葉とともに生徒たちへ伝えている。

「アイディアが大切なのだ！」
下絵をどのように描くか考えるように、歌もどのように歌うべきなのか、自分はどのように 歌いたいのかを考えながら歌う。自分のアイディアというものを持たなくてはならない。

「偉大な人と普通に歌っている人の違いは、一つ一つの単語に意味を見出しているかどうかだ」
歌は、たった一語でもアイディアを持って歌い、単語ごとの意味を伝えなければならない。そのためには、オペラの場合、歌の前後の物語を把握し、オペラ全体の流れの中の一曲として歌う必要がある。

「歌うためには心と頭を使うこと、声を乗せるのは最後に」
うまく歌うことができず、何度も繰り返して同じフレーズを歌っていた生徒に向けての言葉。歌うためには頭を使って曲を分析し、心で感じてそれを表現するために考えなくてはならない。曲に対するアイディアがしっかりしていないうちに声を乗せようとしても、サッバティーニ先生にはお見通しなのである。

「歌うことを芸術として成立させるためには、たくさんの準備が必要だ」
わずか楽譜2ページ分の歌であっても、技術的な練習や表現の工夫に加え、楽譜の奥にあるものを学ぶ必要がある。例えば物語の流れや、曲を哲学・文化・文学・芸術的な面から解釈するなど、入念な準備をするのがプロである。

▼色塗り〜表現〜
いよいよ曲の仕上げの段階。下絵に色をつけるように、歌に表情をつけていく。 レッスンをしていくうちに歌が生き生きと変わっていく様子は、まるで生徒たち 自身が自分の歌の神様となって命を吹き込んだかのようだった。

「偉大なアーティストとは、楽譜に書かれていることを実行できるだけ でなく、それに命の息吹を与えることのできる人だ」
表現するということは、命を与えることである。たとえ基礎であるシレーネ練 習であっても、音楽をやっている以上はたった一音に対してでも命を吹き込む。

「表現をするということは、よごしていくこと」
曲の技術的な練習は鉛筆で下絵を描いていくこと、表現していくことはその下絵に色をつけていくことである。歌詞の意味に沿って表現していくことを、サッバティーニ先生は色で“よごす(イタリア語でスポルカーレ)”と言っていたのが印象的であった。

「芸術には、情熱を禁じるということはない」
日本人特有の控えめさは、芸術の世界では通用しない。サッバティーニ先生が生徒に、「怖がらなくていいから、あなたの内側にいる虎を出して！子猫でいなくていいから」というほど。

「君はクレオパトラとは真逆だ。だから彼女とシンクロしているのは1％で、99%は演じなければならない」
クレオパトラについての歌を歌った女子生徒に対しての言葉。オペラの人物を選ぶときは自分とどれだけ似ているかを考えることがポイントである。サッバティーニ先生は、99%自分とシンクロしていて、1％だけ理解できない部分がある役を演じたことがあったそうだが、そのわずか1％にとても苦労したという。

「愛というものにも、さまざまな形がある」
恋人がいないから人を愛する歌を歌うことはできない、と考えてはいけない。親に対しての愛、ペットに対しての愛。愛にもさまざまな形がある。自分の感覚や経験を総動員して歌のことを考えなくてはならないということだろう。

「アーティストに完成はない。常にがっかりしながら生きているのだ」
完成はない、という失望感に少しでも楽しいことを足してあげなくてはいけない。サッバティーニ先生は、レッスンの最後に「自分がやったことの中でいいものだけを聞くようにするのだ」とアドバイスしていた。

6月3日（日）にブルーローズ（小ホール）で、アカデミー生が出演するコンサートが開催されます。サッバティーニ先生のレッスンを受けた生徒たちが、本番のコンサートでどのような絵を描くのか、いまからとても楽しみです。